Исконно русский народный промысел. Чудо русской души!





Исконно русский народный промысел.





Народные промыслы — это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране.
Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия, и в этом материале мы собрали самые яркие и известные из них.

Всякая работа мастера хвалит – с этим трудно не согласится, глядя на «брендовые» вещи русских мастеров, которые пришлись по душе не только на Родине, но и полюбились далеко за ее пределами…

Дымковская игрушка




Яркая и нарядная дымковская игрушка стала символом Вятской земли. Это один из старейших русских промыслов, которым вятские мастера занимаются на протяжении вот уже 400 лет. Появление игрушки связывают с весенним праздником Свистунья, когда из рук женщин слободы Дымково выходили глиняные свистульки в виде барашков, коняшек, козлов или уточек.
В 30-е годы XX века появилось не только большое количество вариаций весенней игрушки на тему бытовых и сказочных сюжетов, но и было разработано много новых орнаментов и цветовых сочетаний. Каждая игрушка – уникальна и единственна, ведь она лепится и расписывается мастером каждый раз заново. При этом в мире аналогов этого глиняного чуда нет.

Оренбургский платок




Эта непревзойденная вещь вяжется из козьего пуха и хлопчато-бумажных, шелковых или других нитей, которые составляют его основу. Вязать из пуха в Оренбурге начали еще в XVIII веке. За границей впервые Оренбургский пуховый платок был представлен в 1857 году на Парижской международной выставке. Красота и изящество покорили европейскую публику. Эти платки — такая же неотъемлемая часть исконно русского гардероба, как и шапки ушанки. Шапки ушанки испокон веков носили на Руси и сегодня этот головной убор не теряет своей актуальности.




Французы в XVIII-XIX веке десятками тысяч пудов импортировали оренбургский пух, который ставился выше кашмирского. Шаль, «паутинка» и палантин – три главные разновидного оренбургского платка. Главные критерии качества – платок должен проходить через кольцо и помещаться в гусином яйце. Лучшие «паутинки» сегодня вяжут в селах Шишма и Желтое Саракташского района.

Жостовская роспись




В начале 19 века в одной из подмосковных деревень бывшей Троицкой волости (сейчас — Мытищинский район) жили братья Вишняковы, и занимались они росписью лакированных металлических подносов, сахарниц, поддонов, шкатулок из папье-маше, портсигаров, чайниц, альбомов и прочего. С тех пор художественная роспись в жостовском стиле стала набирать популярность и привлекать внимание на многочисленных выставках в нашей стране и за рубежом.

Городецкая роспись




Городецкая роспись существует с середины 19 века. Яркие, лаконичные узоры отражают жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные орнаменты. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшает прялки, мебель, ставни, двери.

Гусевской хрусталь





Изделия, изготовленные на хрустальном заводе города Гусь-Хрустальный можно встретить в музеях всего мира. Традиционные русские сувениры, предметы быта, сервизы для праздничного стола, изящные украшения, шкатулки, статуэтки ручной работы отражают красоту родной природы, ее обычаи и исконно русские ценности. Особой популярностью пользуются изделия из цветного хрусталя.

Уральский малахит




Несмотря на то, что малахит добывают не только на Урале, этот зеленый минерал с неповторимым узором считается «русским» камнем, потому что именно уральский малахит превосходит остальные по своему великолепию: «на поверхности, как бархат, а в изломе, как атлас». С Урала же пошла и общепринятая во всем мире техника обработки камня, называемая «русская мозаика». Любили презентовать малахитовые изделия и русские цари. Так, Александр I подарил Наполеону стол, вазу и канделябр, изготовлныее из малахита. К сожалению, сегодня на Урале почти не осталось истинных мастеров, способных творить шедевры, подобные вазам Гальберга и Штакеншнейдера, столешницам Монферрана или малахитовым колоннам Брюллова.

Матрешка





Круглолицая и полненькая веселая девушка в косынке и русском народном платье покорила сердца любителей народной игрушки и красивых сувениров по всему миру.
Сейчас матрешка — не просто народная игрушка, хранительница русской культуры: это памятный сувенир для туристов, на фартучке которой тонко прорисованы игровые сценки, сюжеты сказок и пейзажи с достопримечательностями. Матрешка стала драгоценным объектом коллекционирования, который может стоить не одну сотню долларов.

Тульский самовар




В 60-е годы XVIII века оружейник Федор Лисицын решил организовать в Туле предприятие по выпуску кастрюль и «приборов для нагревания воды». Вскоре ни одна ярмарка не проходит без участия этого изделия тульских мастеров. По Оке «пузатые красавцы» разъезжались во всей России. Интересно, что цена на изделие определялась по его весу. Невзирая на разнообразие форм и оформления, любой самовар имел одинаковое устройство – стенки поддона, кувшин, кран, ручки. Нередко в изготовлении самовара участвовала вся семья – таким образом старшие мастера передавали свой опыт и умения младшим.
В 1829 году на петербургской выставке тульский самовар был удостоен малой серебряной медали. Сегодня тульские самовары не только непременный атрибут русского чаепития, но и подлинные произведения искусства, прославившие Тулу не только в родной стране, но и далеко за ее пределами.

Шемогодская прорезная береста




Необыкновенной теплотой наполнены изделия из бересты мастеров Вологодчины. Популярность бересты у наших предков не случайна – это очень легкий, долговечный и прочный материал. Из бересты изготавливали посуду, корзинки, туеса, короба, украшения, одежду и обувь. Наибольшую популярность получила шемогодская прорезная береста, получившая свое название от речки Шемоксы, что течет ниже Великого Устюга Вологодской губернии. Ажурность растительного орнамента, затейливо переплетенные стебли, цветы, листья и ягоды – это делает традиционный узор великоустюгского берестяного кружева неподражаемым.

Хохломская роспись


Необыкновенной теплотой наполнены изделия из бересты мастеров Вологодчины. Популярность бересты у наших предков не случайна – это очень легкий, долговечный и прочный материал. Из бересты изготавливали посуду, корзинки, туеса, короба, украшения, одежду и обувь. Наибольшую популярность получила шемогодская прорезная береста, получившая свое название от речки Шемоксы, что течет ниже Великого Устюга Вологодской губернии. Ажурность растительного орнамента, затейливо переплетенные стебли, цветы, листья и ягоды – это делает традиционный узор великоустюгского берестяного кружева неподражаемым.




Вероятно, хохломская роспись появилась в XVII веке в деревне Хохлома, на левом берегу Волги. Однако есть большие количество и других версий появления этого старинного народного промысла. Традиционные сочные ягоды рябины в золоченым листьях на черном фоне вряд ли могут оставить равнодушными. Позднее с растительным орнаментами было добавлено изображение птиц, рыб и зверей. Этот вид декоративной росписи применялся для оформления посуды и мебели. Чашки, миски, бочата, ну и, конечно, деревянные ложки – вот лишь малая часть ассортимента с хохломской росписью.
Хохломские изделия ценят не только за красоту, но и за удивительную практичность. В такой посуде можно и окрошку подать и чай поднести, и не волноваться , что поблекнут краски или потрескается лак. Сегодня родиной хохломы считается нижегородский поселок Ковернино. Хохломская роспись – уникальное явление не только для России, но и для всего мирового искусства

Тульский пряник




Тульский пряник — русский деликатес. Без этих сладких и душистых изделий не проходило на Руси ни одно событие — ни веселое, ни грустное. Пряники подавали как к царскому столу, так и к крестьянскому. Традиционная форма придается прянику с помощью доски с вырезанным орнаментом.

Гжель




Гжельский куст, район из 27 деревень, расположенный под Москвой, славится своими глинами, добыча которых ведется здесь с середины 17 века. В 19 веке гжельские мастера стали выпускать полуфаянс, фаянс и фарфор. Особый интерес до сих пор представляют изделия, расписанные в один цвет — синей надглазурной краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей.

Павлово-посадские шали




Яркие и легкие, женственные павлопосадские платки всегда модны и актуальны. Этот народный промысел появился в конце 18 века на крестьянском предприятии села Павлово, из которого впоследствии развилась платочная мануфактура. На ней производились шерстяные шали с набивным рисунком, очень популярным в то время.
Сейчас оргинальные рисунки дополняются различными элементами вроде бахромы, создаются в разных цветовых гаммах и остаются прекрасным аксессуаром практически к любому образу.

Вологодское кружево




Вологодское кружево плетется на деревянных палочках, коклюшках. Все изображения выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине, плавно извивающейся полотняной тесьмой. Они чётко вырисовываются на фоне узорных решёток, украшенных элементами в виде звёздочек и розеток.

Финифть






Винтажные брошки, браслеты, кулоны, стремительно «вошедшие» в современную моду — не что иное, как украшения, изготовленные по технике финифть. Этот вид прикладного искусства возник в 17 веке в Вологодской области.
Мастера изображали на белой эмали цветочные орнаменты, птиц, зверей с помощью множества красок. Затем искусство многокрасочной эмали стало утрачиваться, его стала вытеснять однотонная финифть: белая, синяя и зеленая. Сейчас успешно совмещаются оба стиля.

Палехские шкатулки




Небольшой городок в Ивановской области Палех с давних времен славился иконописным промыслом. Еще со времен татаро-монгольского ига большим спросом пользовались маленькие иконки «писанки», которые можно было легко спрятать. В середине XVII века палехские работы дошли до Москвы, и мастеров стали приглашать на работу – Грановитая палата в Кремле, Троице-Сергиева лавра, Новодевичий монастырь были украшены палехскими иконами. В XX веке палехские мастера вынуждены изменить сюжетную направленность свои работ – сказки Пушкин, сценки из деревенского быта, революционные мотивы. В это время создается артель, которая переносит лаковую живопись на папье-маше. Изысканные работы палехских мастеров – портсигары и броши, коробочки и записные книжки, ларцы и знаменитые шкатулки – становятся известны во всем мире.


Источник: http://ribalych.ru/2014/03/28/iskonno-russkij-narodnyj-promysel

Комментарии (43)

Всего: 43 комментария
  
#31 | Анатолий »» | 15.02.2016 14:55
  
1
Тульские самовары!












































  
#32 | Анатолий »» | 24.02.2016 14:13
  
2
Хохломская роспись.




Хохломская роспись (Хохлома) - это самобытный русский народный промысел, существующий более трехсот лет, уникальное явление не только в масштабах России, но и в мировом искусстве. Промысел был основан в лесном Заволжье, на территории нынешнего Ковернинского района Горьковской области. Жители селений Новопокровское, Виноградово, Мокушино, Большие и Малые Хрящи, Семино, Кулигино, Скородумово, Воротнево, Шабашево, Медвежково, Рассадино, Скоробогатово и других, расположенных по берегам реки Узолы, испокон веков занимались окраской деревянной точеной посуды.



Благодаря иконописцам из старообрядческой среды, владевшим древним приемом \"вызолачивания\" изделий, здесь распространился своеобразный способ превращения простых деревянных мисок в \"золотые\" без использования драгоценного металла. Традиционная техника, усовершенствованная в наше время, основана на простом принципе. После завершающего этапа отделки изделия - \"закалки\" - под влиянием высокой температуры покрывающая его лаковая пленка приобретает медовый цвет. Сочетание ее с просвечивающимся металлизированным слоем дает золотистый эффект.

Хохломские изделия привлекают не только красотой орнамента. Их ценят за прочное лаковое покрытие, благодаря которому ими пользуются в повседневной жизни. В хохломском блюде можно подать окрошку к столу, в чашку налить горячий чай - и ничего не сделается с деревянным изделием: не потрескается лак, не поблекнут краски. Не случайно во все времена существования поволжского промысла мастера, владеющие \"хитростями\" изготовления этой \"волшебной посуды\", попадая по воле судьбы в другие места, основывали там новые центры ее производства.

И в наше время технология отделки хохломских изделий продолжает привлекать многих мастеров декоративно-прикладного искусства. Продолжатели дела безвестных русских мастеров поволжского промысла - наши современники совершенствуют технологию отделки и подготовки хохломских изделий, отбирают наиболее пригодные для термической обработки материалы. Они создали неповторимое искусство кистевой росписи на объемной токарной форме, разработали своеобразные, лаконичные и вместе с тем очень эффектные приемы письма.

Ассортимент хохломских изделий сформировался давно. В его основе лежат резные ложкарные изделия и токарная посуда: чашки, миски, поставцы, бочата, солоницы, ложки. В последние десятилетия были созданы новые формы бытовых вещей: комплекты посудных изделий для компота, ухи, салата, ягод, блинов и меда, наборы для кухни -поставки с полками, а также крупные декоративные изделия для украшения жилища - декоративные блюда, панно. В отделке хохломских изделий народные мастера используют несколько вариантов. Все они отличаются температурными режимами, продолжительностью сушки и закалки, тонкостями выполнения приемов. На примере одной из разновидностей отделки видны операции, через которые проходит каждая вещь.

Изготавливают хохломские изделия из древесины местных лиственных пород - липы, осины, березы. Из просушенного дерева - тонкомерных \"стульчиков\", распиленных на толстые плахи \"кряжей\", вытесывают болванки и \"чураки\". В токарном цехе массивная заготовка превращается в задуманное изделие, \"чурак\" как бы тает под резцом мастера, все лишнее отлетает с легкой белой лентой стружки. Выточенное изделие еще раз сушат и только потом оно попадает к отделочникам, подготавливающим его к росписи. Иногда одно изделие до трех десятков раз проходит через руки мастера-отделочника.

Полуфабрикат сушат при температуре 22 - 28 градусов в течение 3-20 дней, в зависимости от размера изделия. Когда влажность древесины достигнет 6-8 процентов, сушка закончится. Если влажность окажется больше, изделие может получиться недоброкачественным: с пузырьками - разрывами лаковой поверхности.

Просушенные изделия шпаклюют. Делают это либо по старинке вапом, либо специальными шпатлевками. Вап - мелкозернистая отмученная глина, разводимая до густоты очень мутной воды. В раствор добавляют 25-50 процентов мела. Проще применять шпатлевку из жидкого мучного клейстера. В приготовленный раствор макают кусок шерстяной ткани и обмазывают им изделие. После просушки операцию повторяют еще раз. Окончательная сушка длится шесть - восемь часов.

Грунтуют изделие льняным маслом, которое наносят полотняной тканью. После этого ему дают вылежаться 40-50 минут и только потом обтирают лоскутом, снимая излишки масла. После грунтовки изделие на четыре-шесть часов помещают в сушильный шкаф, где температуру поддерживают на уровне 40-50 градусов. Для сушки изделий по хохломской технологии необходим шкаф, в котором можно регулировать температуру в пределах 30-120 градусов. Высушенные заготовки охлаждают до комнатной температуры и слегка шлифуют.

Следующий ответственный процесс - покрытие изделия олифой. Для этого берут натуральную, сваренную из льняного или конопляного масла олифу. Ее равномерно размазывают на руках и слегка потирают ими изделие так, как будто моют его. После сушки в течение двух-трех часов при температуре 22- 25 градусов, когда олифа уже не пристает к рукам, но пленка еще не полностью высохла, изделие олифят второй раз, нанося слой потолще. Если древесина впитывает много олифы, как, например, осина, то весь процесс повторяют еще раз, если мало, достаточно проолифить изделие два раза. Как только поверхность изделия приобретет ровный блеск, его можно лудить, то есть покрывать алюминиевым порошком.

Для нанесения полуды применяют с модельные приспособления - куколки, представляющие собой тампон, к рабочей части которого пришит кусок натурального меха (лучше овчины) с коротко подстриженным ворсом. После полудки изделие приобретает ровный металлический блеск. В таком виде оно и поступает на роспись. К краскам, используемым для росписи хохломских изделий, предъявляют повышенные требования, так как многие из них в процессе сушки и закалки могут выгорать от высокой температуры. Мастера берут термостойкие минеральные краски - охру, сурик, а также киноварь и кармин, сажу, хромовую зелень. Разбавляют их очищенным скипидаром.

В красильных цехах работают преимущественно женщины. Художницы сидят за невысокими столами, на низеньких табуретах. При такой посадке колено является опорой расписываемому предмету. Для хохломских мастериц характерна работа на весу: небольшую токарную вещь, опирая о колено, придерживают левой рукой, а правой наносят орнамент на ее округлую поверхность.

Такой способ держания расписываемого предмета позволяет легко поворачивать его в какую угодно сторону с любым наклоном. На столе удобно располагают кисти, краски, палитру и находящиеся в работе вещи. Для нанесения простого орнамента применяют штампики, которые вырезают из шляпного войлока, гриба-дождевика и других материалов, хорошо удерживающих краску и позволяющих отпечатать рисунок на изделии. При выполнении мотивов \"ягодка\", \"цветок\" часто используют круглые тычки из свернутой капроновой ткани.

Хохломские мастера владеют особым приемом держания кисти, при котором в процессе письма участвуют не только пальцы, но и вся рука, благодаря чему можно проводить одним слитным, неразрывным движением длинные пластичные мазки и серии штрихов на сферических или цилиндрических поверхностях.

Кисть, положенная на фаланги указательного и среднего пальцев, прижимается к ним подушечкой большого пальца, что позволяет чуть-чуть вращать ее во время письма. Выполняя роспись, иногда слегка опираются на мизинец, прикасаясь им к изделию. Тонкую, с волосяным кончиком кисть ставят почти вертикально к поверхности предмета. Ее обычно ведут к себе, немного вращая в ту сторону, куда изгибается мазок.

Хохломской росписи свойственны два типа письма и тесно связанные с ними класса орнамента - \"верховой\" и \"фоновый\". \"Верховая\" роспись наносится пластичными штрихами на металлизированную поверхность, образуя свободный ажурный рисунок. Классическим примером верхового письма является \"травка\", или \"травная роспись\" с красными и черными кустиками, стебельками, создающими своеобразный графический рисунок на золотом фоне.

Другая разновидность верхового письма - \"под листок\". В ней широко применяются более крупные растительные формы - округлые листики, ягодки, располагаемые симметрично у стебля. Для \"фоновой\" росписи характерно применение фона - черного или цветного, тогда как сам рисунок остается золотым. До заполнения фона на расписываемую поверхность предварительно наносят контуры мотивов. Формы больших мотивов моделируют штриховкой. Часто по окрашенному фону пишут мелкий травный узор - \"приписку\". Более сложным типом фонового письма является \"кудрина\", названная так за изобилие круглых завитков, которые создают сказочные формы растений, цветов и птиц. После росписи изделие поступает в окончательную отделку, во время которой его натирают олифой, дважды покрывают лаком и ставят на несколько часов в печь для закалки, где температура достигает 150 градусов.

В настоящее время хохломская роспись получила большое распространение. Широко известны два ее крупных центра - Семинская фабрика художественных изделий \"Хохломской художник\" и Семеновское ордена \"Знак Почета\" производственное объединение \"Хохломская роспись\", находящиеся в Горьковской области.

Семинские мастера, продолжатели традиций коренной хохломы, тонко чувствуют красоту луговых трав, лесных ягод. Они расписывают преимущественно традиционную, старинной формы посуду. Семеновские мастера, горожане, чаще применяют в росписи богатые формы садовых цветов, предпочитая технику росписи \"под фон\". Они любят точный контурный рисунок и широко используют разнообразные штриховки для моделирования мотивов. Но наряду с основными центрами хохломской росписи возникло много новых производств, выпускающих изделия \"под золото\".

Изделия отличаются большим разнообразием. Простые формы деревянной посуды - мисок, чашек и бочат, поставков и кандеек - восходят к традиционной русской утвари. Красивые по пропорциям, крепкие и устойчивые, они создают в доме атмосферу уюта и праздничности. Сельские мастера не склонны к поискам новаторских, эффектных решений, предпочитая набор привычных предметов, оптимальные размеры и пропорции которых стали классическими. Такую отобранную столетней традицией токарного ремесла и уже обладающую высокими художественными достоинствами посуду мастерицы расписывают растительными узорами.

Живописцы великолепно владеют всеми видами хохломской росписи, они знают и любят золотые узоры кудрины, древнее травное письмо с раскидистыми черными и алыми стеблями, нанесенными каллиграфически точными мазками. Однако в своей работе мастера отдают предпочтение росписи с чернолаковым фоном и чаще пишут знакомые и столь близкие сельскому жителю изображения садовых и луговых цветов, плодов и листьев. Художницы соединяют в одном произведении красоту весеннего цветения природы и ее осенней щедрости, в поэтических образах воплощая мечту земледельца о богатом урожае, благодаря чему расписываемые ими предметы становятся своеобразными символами пожелания благополучия. Столь любимый мастерицами черный фон помогает им достигать большей звучности цветовой гаммы росписи, и растительный узор четче выделяется на нем.

В своей работе они широко используют особый прием моделировки - наносят на изображаемые растения цветной контур мягкого оттенка, который сиянием обволакивает мотивы, придавая им сказочность. Такой загадочно мерцающий орнамент покрывает не только вещи подарочного назначения, уникальные произведения, которые мастера готовят на крупные смотры народного художественного ремесла,- вазы, братины, ковши, но и массовую продукцию колхозного промысла.

Поверхность ковша-утицы с навесными ковшиками, расписанного ведущим мастером колхозного промысла Антониной Васильевной Разборовой, снаружи и изнутри покрыта узором ветвей лесной яблоньки-дикуши с маленькими румяными яблочками и золотистыми звездочками соцветий. Подобные пятилепестковые цветы, разные по размерам, написаны рядом с земляникой и яблоком, плодами малины, хмеля и крыжовника, гроздьями рябины. Но они настолько органично входят в орнамент, что не возникает сомнений в правомерности таких сочетаний.

Источник: http://traditio.ru/
















  
#33 | Анатолий »» | 24.02.2016 14:17
  
1
Хохломская роспись (Семёнов)



Золотая хохлома — один из ста­ринных самобытных русских на­родных промыслов, на протяжении веков формирующий быт и жизнен­ный уклад целых поколений и явля­ющийся неотъемлемой частью рос­сийской культуры. Особенностью хохломского промысла является изготовление золоченой деревянной посуды без применения дра­гоценного металла и своеобраз­ная растительно-травная роспись. Символом хохломской росписи стала огненная жар-птица, укра­шенная яркими цветами. Столицей золотой хохломы по праву считается город Семенов, распо­ложенный в 80 километрах от Нижнего Новгорода.
История золотой хохломы

Хохломской промысел насчитывает более трёх столетий. Он зародился в нижегородском Заволжье и пошел от иконописи. Это было время обширного заселения нижегородских земель разным людом, сре­ди которого были «старооб­рядцы» - противники церковных реформ Патриарха Никона. Они знали секрет золочения икон при помощи серебряного ме­талла и льняного масла - олифы. Деревянные иконы покрывали слоем серебра, растертого в порошок, после чего оли­фили, затем ставили в печь. После закалки икона приобретала новый золотистый цвет. Впоследс­твии, с появлением более дешевого олова, этот способ перешел и на посуду. Так, начиная с XVII века, на всю Россию славилась распис­ная деревянная посуда заволжских мастеров. «Парадная» посуда из­готавливалась по особым заказам небольшими партиями из разных пород дерева, разных форм и ху­дожественной отделки, и предна­значалась для дарения именитым гостям и иностранным послам.

Посуда хохломаНа территории предприятия сто­ит памятник легендарному Семёну-ложкарю. Скульптурное изображение - это дань уважения всему трудовому люду заволжского края, тем, кто трудился, не покладая рук, развивая свое ремесло. Нижегородской посудой торговали на великом торжище - Макарьевской ярмарке, позднее Нижегородской, в Москве и других уголках России. Начиная с 60-х годов XIX века, хохломская посуда и мебель постоянно экспонируются на отечественных и зарубежных выставках. После всемирной выставки 1889 года в Париже резко увеличился экспорт хохломских изделий. Искусно выточенная и рас писаная посуда появилась на рынках Западной Европы, Средней Азии, Персии, Индии.

В начале XX столетия русские хохломские изделия проникают в отдаленные города Америки, Австралию и даже Африку. Ассортимент отличался большим разнообразием. Изготавливали различную посуду: ложки, блюда, тарелки, бочата, поставки и солонки, кружки, бокалы, шкатулки, трости, табакерки и даже мебель в русском стиле - столы с ножками баляси­нами, шкафы-теремки. Покупатели всегда ценили лёгкость и прочность хохломских изделий, красоту росписи. В XIX веке её мотивы были достаточно просты: чашки украшали поясками из геометрических фигурок, но к концу века роспись усложнилась. На крупных вещах на заказ создавали орнаменты кудрины с золотыми цветами и листьями округлых форм изделия для продажи в город расписывали узорами в духе ситцевых платков, старинных набоек или орнаментов рукописных книг. Самым распространенным и любимым было «травное» письмо. Уже в 30-е годы XX века на основе лучших традиций росписи был создан новый хохломской орнамент. Современная роспись обогатилась НОВЫМИ мотивами, стала тоньше и сложнее по колориту и компози­ционному решению, усложнилась и техника исполнения.

Ложка хохломаЗа многовековую историю хохломской промысел претерпел немало взлетов и падений, что отражалось на судьбе его мастеров. Дороговизна леса, конкуренция металлической и фаянсовой посуды, зависимость от скупщиков - всё это не способствовало росту благосостояния самих ложкарей и художников. Положение изме­нилось, когда в 1916 году при под­держке Нижегородского земства в Семёнове была открыта Школа художественной обработки дерева. Её возглавил талантливый художник Г. П. Матвеев. На базе этой школы была организована кооперативная артель «Кустарь - художник», кото­рая впоследствии переросла в круп­ное производственное объединение «Хохломская роспись». Благодарные потомки помнят о заслугах Матвеева, на территории предприятия ему установили па­мятник и сохранили заложенные Мат­веевым традиции наставничества. «Хохломская роспись» патронирует семёновский Художественный лицей № 30, где готовят будущих мастеров по росписи и деревообработке. В 1931 году артель получила назва­ние «Экспорт», поскольку 70 % продукции продавали за границу. В 1961 году артель получила статус фабрики, а в 1971 году - производственно-ху­дожественного объединения. В настоящее время крупнейшее в России предприятие народных художественных промыслов «Хохломская роспись» продолжает вековые традиции выпуска изделий с хохломской росписью. В ассортименте насчитывается более 1000 наиме­нований изделий утилитарного и декоративно-сувенирного назначения. Это многопредметные набо­ры для ухи, десерта, в том числе: наборы-сервизы, резные ковши, братины (ковши для вина), подсвечники, вазы, поставки, бочата, штофы, панно, музыкальные шкатулки. Вся выпускаемая продукция име­ет сертификаты соответствия и гигие­нические сертификаты, а это значит, что из хохломской посуды можно пить и есть, не опасаясь за здоровье. Под заказ выполняются изделия с геральдикой, эмблемами, портре­тами.

Часы с узором хохломы На предприятии работает бо­лее полутора тысяч человек, в том числе 400 художников. Многие из них - по-настоящему одаренные, талантливые мастера. И у каждого свое осмысление богатого творчес­кого наследия, свое видение рисунка и особый почерк. Ряд художников имеют почетное звание: «Заслужен­ный художник РФ», являются членами Союза художников России, награж­дены государственными премиями. На предприятии с 1964 года дейс­твует творческая лаборатория, где рождается новый ассортимент и уникальные высокохудожествен­ные изделия. Через лабораторию проходят подающие надежды мо­лодые мастера. Настоящими вирту­озами росписи называют художниц М. Иванову, Е. Зайцеву, О. Разумову, Н. Воронину. На их работы обращают внимание специалисты на многих российских и междуна­родных выставках. По эскизу заслуженного ху­дожника РФ Таисии Белянцевой ко дню 40-летия полетов из Лондона в Москву фюзеля­жи восьми лайнеров авиаком­пании «Бритиш Эйэрвэйз» бы­ли украшены хохломским узо­ром.

Искусство хохломы - это не только красиво выполненная рос­пись, но и умение создавать выра­зительную форму изделия, знание сложной технологии обработки дерева. И немногие знают, сколь­ко труда и терпения, сноровки и истинного вдохновения требует людей разных специальностей этот сложный процесс. На основе Традиционного способа изготов­ления хохломских изделий был разработан и усовершенствован \' современный технологический процесс, позволяющий достиг­нуть высокого технического уровня продукции.

В производстве используется дерево разных пород, в ос­новном - липа. Древесину сна­чала выдерживают на открытом воздухе не менее года. Затем ее распиливают на кряжи, изго­тавливают болванки, из которых вытачивают чашки, постав­ки, бочата, вазы, мат­решку, выре­зают ложки и ковши. Некрашеную посуду называют в промысле «белой» или «бельем». Пре­жде всего, ее надо высушить, чтобы изделие не дало трещин. Поэтому в помещениях предварительной об­работки постоянно поддерживается температура около 30 градусов, а в сушильных камерах, где на широ­ких полках-«колосниках» досуши­ваются белые точеные изделия, - до 100 градусов. Затем, некрашеные чашки покрывают специальным масляным грунтом красно­вато-коричневого цвета, отчего все они становятся похожими на глиня­ные. После грунтовки изделия 2-3 часа сушат в электропечи при тем­пературе 120-130 градусов. Далее - шлифуют, шпаклюют, олифят. Последняя подготовительная операция - лужение. Исполняют ее также, как и все предыдущие операции, вручную. Пока верхний слой олифы не высох окончатель­но и грунт не утратил вязкости, из­делия натирают алюминиевым порошком. Луженые чашки становятся матово блестящи­ми, напоминая серебряные, и в таком виде поступают в цеха росписи.

Золотая хохлома в СеменовеРасписанные изделия два-три раза покрывают лаком с промежуточной закалкой при температуре 120-130 граду­сов. Чтобы полу­чить нужный эффект от закалки, необходимо точно рассчитать её время, ко­торое зависит от сорта дерева, и от габаритов изделия. Таким об­разом, серебро превращается в «золото», и распи­санные деревянные чаши и вазы стано­вятся похожими на драгоценную позо­лоченную посуду, отличающуюся осо­бенной красотой и неповторимостью. В современной хохломской росписи сохраняется стиль и колорит тра­диционного орнамента, «верхового» и «фонового», но цветовая гамма - расширена. Кроме черного, красного и золо­того цвета - традиционного триколора, пришедшего из иконописи, используются зеленый и желтый, оранжевый и корич­невый цвета. Художники имеют возможность эк­спериментировать. Так появляются но­вые направления в хохломском искус­стве. Это миниатюр­ная хохломская рос­пись, хохломское панно с живописью, иконы. В 1993 году в продолжение традиций в технике иконописи по хохломскому «золоту» на фабрике была создана иконо­писная мастерская и начато изго­товление икон. Канонам иконописи художники обучались в Троице-Сергиевой Лавре и получили благосло­вение на писание икон от митрополи­та Нижегородского и Арзамасского Николая. В 1999 году иконописная мастерская предприятия ЗАО «Хох­ломская роспись» была удостоена высокой чести войти в состав «Патриарших мастерских» под омофо­ром Его Святейшества Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Алексея II. Хохломскими иконами украшены многие храмы Нижего­родской области.

Сравнительно недавно в 2004 году на предприятии «Хохломская роспись» начали изготавли­вать концептуально новые изделия - панно с живопи­сью. Это авторские рабо­ты, совмещающие в себе два вида искусства: живо­пись и декоративно-прикладное искусство - хохломскую роспись. В 1992 году был открыт цех по изготовлению семёновской мат­решки.

На предприятии выпускают не только декоративные изделия и посуду, но и мебель с хохломской росписью. Детские столы, стулья и скамейки, столы интерьерные, сервировочные и журнальные. Детская мебель соответствует требованиям ГОСТа и является не­заменимой при обустройстве групп детских садов и детских жилых ком­нат. Также изготавливают и мебель столярную: различные виды мягких и жестких стульев для дома, офиса или кафе, а также группы обеден­ные, столы и кровати. Столярная мебель рассчитана на широкий круг покупателей.Золотая хохлома иконы

В настоящее время ЗАО «Хохломская роспись» стабильно работает и развивается, увеличивая объемы производства и продаж. За счет собственных капиталовложений в производство внедряются новые виды изделий, приобретается оборудование, расширяются цеха, организуются новые рабочие места. Более 1000 фирм от Владивостока до Калининграда являются партнерами предприятия. Продукция эк­спортируется в страны ближнего и дальнего зарубежья: Казахстан, Беларусь, Украину, Туркменис­тан, США, Канаду, Францию, Гер­манию, Англию, Японию, Испанию и другие. Для туристов на фабрике орга­низованы увлекательные экскур­сии, знакомящие гостей с историей промысла, технологическим процессом на всех этапах рождения хохломских изделий. Здесь можно познакомиться с лучшими масте­рами и принять участие в увлека­тельном мастер - классе по росписи матрешки. А также заказать обед по индивидуальному меню. К ва­шим услугам - просторная столо­вая или банкетный зал, интерьер которого оформлен в хохломском стиле, а блюда подают в «царской посуде». На фабрике есть ассортимент­ный кабинет, где с 1972 года хра­нятся образцы уникальных изделий, среди них огромная хохломская ложка - 2 метра 67 см и полутора - метровая чаша. А также магазин, в котором по до­ступным ценам можно купить все, что производится на фабрике. Ещё одно дости­жение хохломичей - ежегодный все­российский фести­валь «Золотая Хох­лома», приехать на который в город Семёнов могут все желающие в июне.

Генеральный директор ордена «Знак Почета» ЗАО «Хохломская роспись» Николай Васильевич Короткое, заслуженный работник культуры РФ. Награжден орденом \"За заслуги перед Отечест­вом \" IV степени. В 2003 году Российский союз то­варопроизводителей присудил ему высшую экономическую премию им. А. Н. Косыгина.

Источник: http://promisly.ru/nhp/khokhlomskaya-rospis-semenov
  
#34 | Анатолий »» | 11.03.2016 15:17
  
1
Финифть.




История Ростовской финифти

Возникновение школы расписной финифти в Ростове Великом было подготовлено небывалым расцветом изобразительного искусства и архитектуры этого старинного русского города во второй половине XVII столетия. В названный период были сооружены многочисленные каменные церковные и светские постройки, а также великолепный архитектурный ансамбль Ростовского Кремля. Организатор строительства, друг патриарха Никона, «в период между патриаршества — блюститель Патриаршего престола», могущественный митрополит Иона Сысоевич с большим радением относился к убранству своей резиденции, окрестных храмов и монастырей, собирая с этой целью в Ростове мастеровой люд не только со всех близлежащих земель, но и из Ярославля, Костромы, Суздаля, Владимира и даже из Москвы. Эти мастера, среди которых были не только строители, но и иконописцы, резчики, позолотчики, чеканщики, литейщики, а также представители других специальностей, создавали памятники, послужившие образцом высоких идей и творческого горения для последующих поколений.

Для периода рубежа XVII—XVIII веков, так же, как для многих предшествующих эпох, была характерна миграция художников, объединявшихся в артели для выполнения заказов в самых различных городах. Известно, например, что художник-костромич Гурий Никитин, выдвигавшийся в 1679 году в Оружейной палате Симоном Ушаковым на звание жалованного мастера, в 1675 году вместе с живописцем первой статьи из Оружейной палаты — ярославцем Дмитрием Григорьевым и другими мастерами расписывал интерьеры церкви Воскресения Христова в Ростовском Кремле. Для этого и других храмов создавались церковная утварь и прочие предметы прикладного искусства. Широкие культурные связи между различными русскими землями не только способствовали дальнейшему развитию общенациональной художественной традиции, но и содействовали интенсивному творческому росту местных мастеров. Среди документов, относящихся к XVII веку, до настоящего времени не найдены упоминания о существовании в Ростове финифтяного промысла. Однако именно в эту пору закладываются стилистические основы местной художественной школы, проявившиеся в первых датированных и подписных произведениях расписной эмали конца XVIII столетия.

В крупных современных собраниях произведений ростовской эмалевой живописи: Государственном Историческом музее, Государственном Русском музее, Ростово-Ярославском архитектурно-художественном музее-заповеднике и других хранятся архаичные по стилю миниатюры, которые можно отнести к первой половине XVIII века. Чаще всего они представляют собой дробницы с церковной утвари и облачений. По композиции, рисунку, манере письма миниатюры напоминают те или иные произведения ростовских и ярославских мастеров иконописи и фресковой живописи. Однако круг тематики этих дробниц более узок и, как правило, охватывает лишь издревле канонизированные для того или иного церковного предмета сюжеты: например, изображение евангелистов для окладов евангелий, сцены и изображения орудий Страстей Христовых для потиров и дискосов. В отличие от сложных монументальных композиций, эти камерные изображения малофигурны и характеризуются скудостью деталей. Вместе с тем некоторые из них по принципу передачи художественной формы близки к произведениям фресковой живописи, украшающим церкви Спаса на Сенях, Воскресения, Иоанна Богослова и другие архитектурные памятники Ростова второй половины XVII века.

Одним из первых художников ростовской финифти, чье имя встречается в документах, был иеромонах Амфилохий (1748—1824) . В 80—90-е годы XVIII века он «являлся мастером иконописи и фрески и принимал активное участие в украшении ростовских храмов», приблизительно на эти же годы падает деятельность мастеров, работавших при Спасо-Яковлевском монастыре. Созданные ими произведения распространялись не только в местной среде, но и достигали самой столицы. Ссылаясь на сведения из переписки графини А. А. Орловой-Чесмснской и Амфилохия, автор одной из работ конца прошлого века, посвященной ростовским эмальерам, А. А. Титов сообщает, что «она (А. А. Орлова. — В. М.) делала заказы на значительные суммы не только для себя, но и для знакомых, и благодарила за полученные его «образа прекраснейшие».

Церковные власти поощряли развитие промысла, приносившего монастырю заметные доходы, которые, наряду со средствами, выделявшимися А. А. Орловой-Чесменской, Н. П. Шереметьевым и другими, употреблялись на перестройку старых и строительство новых церквей и монастырских помещений. Возможно, эскизы для росписей храмовых интерьеров, иконописных произведений, а наряду с ними и для эмалевых миниатюр, так же, как и в XVII столетии, разрабатывала небольшая группа знаменщиков, а создавали по ним произведения в материале мастера различных живописных специальностей: «изографы податного письма», иконописцы, финифтяники. В отличие от ростовской монументальной живописи, искусство финифти в этот период не обладало столь развитыми традициями.

Именно поэтому миниатюристы на первых порах использовали отдельные художественные приемы, почерпнутые из арсенала устоявшихся, проверенных временем видов изобразительного искусства. Например, ростовские эмальеры в построении пространства использовали прием обратной перспективы, применявшийся в иконописи. Они нарочито удлиняли силуэты фигур, драпируя их в одеяния с крупными складками. Объемы моделировались при помощи интенсивного высветления широкими мазками белил, напоминающими иконописные пробела. Видимо, особенностями этого творческого метода и объясняется характерная для ростовских миниатюристов приверженность к цветным фонам: синим, коричневым и другим, которые встречаются на местных эмалевых изделиях XVIII — начала XIX века.

Несмотря на многочисленные точки соприкосновения элементов ранней ростовской миниатюры с иконописью, между ними очевидны и различия, которые прежде всего касаются колорита. На раннем этапе развития школы се мастерам не всегда удавалось подчинить гармонии резкое звучание пигментов металлических красок после обжига. В силу этого, колорит отдельных миниатюр отличался излишней пестротой и некоторой жесткостью. Для объединения цветовых пятен художники подчеркивали контуры и линии рисунка, которые порой в ущерб живописной ткани изображения намечались резкими черными или темно-коричневыми цветами. Лишь с накоплением коллективного опыта, как художественного, так и технического, ростовские эмальеры начали создавать произведения, исполненные гармонии и пластической выразительности. Этот опыт, как указывают некоторые исследователи, передавался ростовчанами по наследству от отца к сыну в течение ряда поколений. Каждая семья бережно хранила свои профессиональные традиции. К числу наиболее известных династий ростовских эмальеров относятся Гвоздревы, Метелкины, Буровы и другие. К сожалению, идентифицировать произведения названных и других мастеров с определенным кругом памятников из-за недостатка письменных сведений не представляется возможным. Значительные трудности составляет и датировка произведений, поскольку их стиль, особенно на раннем этапе развития школы, был обусловлен в значительной степени различными церковными изобразительными канонами, имевшими в провинции своеобразные местные черты. Сказывалось на этом также различие профессионального уровня мастеров, среди которых были опытные иконописцы и подмастерья-ремесленники, приезжие из таких центров, как Москва и города Севера, а также крестьяне окрестных деревень и слободок, начавшие приобщаться к ходкому промыслу. Естественно, что в их изделиях, отличавшихся порой из-за недостаточно высокого творческого уровня создателей определенным архаизмом, трудно проследить эволюцию стиля. Единственной опорной точкой, своеобразным ориентиром в этих условиях являются немногочисленные подписные изделия мастеров ростовской школы. К их числу принадлежит серебряный крест, декорированный финифтью, работы художника Петра Иванова (Ростово-Ярославский архитектурно-художественный музей-заповедник), а также две дробницы с изображением евангелистов Луки и Матвея, видимо некогда украшавшие оклад одного из евангелий (ГИМ), эмалевые росписи на дробницах которого принадлежат кисти Алексея Игнатьевича Всесвятского, работавшего, подобно Иванову, в конце XVIII века.

Несмотря на укоренявшиеся во второй половине столетия в творчестве мастеров центральных городов черты классицизма, миниатюры ростовского мастера носят на себе отпечаток стиля барокко. Они проникнуты ритмом бурной динамики, выраженной в специфическом диагональном построении композиции, в пластической организации объемов, как бы надвигающихся на зрителя, а также в применении ярких, декоративных цветосочетаний. Показательна в этом отношении приверженность Всесвятского к изображению драпировок, в рисунке и цветовой характеристике которых он достигает особого динамизма и выразительности. Ткани одеяний святых, драпировки интерьеров: пологи, занавеси, скатерти, то массивные, словно выкованные из металла, то невесомые, развевающиеся от легкого дуновения, — написаны художником с необыкновенным артистизмом. Свободное владение светотенью, всей полихромией палитры, а также рисунком, позволяющим выявить пластику как крупных, так и мельчайших складок, дает ему возможность создать импульсивную, будто живую, живописную материю изображения.

Наряду с достаточно очевидными элементами барокко, в пластической структуре миниатюр Всесвятского намечается тенденция к более углубленной трактовке образов. Особенно наглядно это проявилось в манере изображения ликов святых. Характер рисунка миниатюр отличается необычайной точностью в передаче деталей, которая возможна разве только при письме с натуры. Художник далек от желания создать обобщенный идеальный образ, его глубоко волновали индивидуальные черты людей, послужившие прототипами для самоуглубленного Луки и вдохновенного старца Матфея.

Появление академически точных элементов в живописи ростовских художников в определенной мере связано с успешным развитием портретного жанра как в станковом искусстве, так и в эмалевой миниатюре столичной художественной школы. К концу XVIII столетия многочисленные произведения петербургских и приезжих иностранных мастеров все чаще достигали русских провинций, благодаря чему местные получали возможность знакомства с основными культурными направлениями эпохи. К сожалению, из-за отсутствия биографических сведений о Всссвятском в настоящее время трудно определить истоки тех или иных традиций в его творчестве, однако произведения этого художника в какой-то степени отражают переход мастеров ростовской школы к новым тенденциям в искусстве финифти первой половины XIX века. Этот период ознаменован необычайным повышением значения ростовского эмальерного дела среди других народных художественных промыслов. В городе работали многочисленные эмальеры, которые создавали изделия не только для приходских церквей, но и по заказам местного населения. Финифтяное искусство распространилось также в уездные поселки. Так, например, одним из его центров стала Спас-Песковская слобода. Расширению этого вида производства способствовал большой спрос на различные нательные образки, иконки, миниатюрные портреты на ростовской ярмарке, которая собирала торговый люд со всей Ярославской губернии, а также из Москвы, многих городов Поволжья и Русского Севера. Именно поэтому произведения ростовчан проникали во все уголки России и, как указывают некоторые источники, в православные области Южной Европы в частности в греческие монастыри, «преимущественно на Афоне». Несмотря на возросшее производство изделий мастеров ростовского промысла, художественное качество их произведений в основной массе не снижалось. Однако в самом характере изображений все больше чувствовались изменения, связанные с освобождением от традиционных иконописных канонов. Правда, в своем стремлении к секуляризации эмалевых миниатюр мастера не всегда ориентировались на лучшие образцы светского искусства, увлекаясь порой стилизацией под салонные произведения второстепенных столичных и местных живописцев.

По сравнению с финифтяными работами художников конца XVIII столетия, в живописи мастеров следующего поколения, таких, например, как Алексей Григорьевич Тарасов, в значительно меньшей степени отражены иконографические догмы прошлого века.

Художественный строй миниатюры Тарасова (Музей народного искусства, НИИХП), посвященной образу святого Марка, основывается на традиции светской портретной живописи начала XIX века. В этом произведении художник максимально приближает своего героя к зрителю, тем самым как бы исключая из композиции миниатюры все подробности, связанные с местом его действия. Из деталей в поле охвата погрудного портрета, которым, по сути, является изображение Марка, вошли лишь голова льва — эмблема евангелиста, свиток и перо. Трактовка образа этой миниатюры крайне далека от подчеркнутой идеальности иконописных изображений. В самом понимании формы можно отмстить многое от непосредственного наблюдения натуры. Мастер стремится к созданию обобщенного и идейно углубленного образа, и, вместе с тем, иконная духовность сменяется в миниатюре Тарасова типичной для салонного искусства идеализацией. Прорабатывая черты лица евангелиста, художник стремится к их внешней красивости. Он показывает широкий лоб старца, окаймленный прической во вкусе того времени с пробором посередине, прямой «римский» нос, слегка нависающий над маленьким ртом, и окладистую седую бороду. Характерно и изображение рук, переданное художником в духе академической школы.

Как упоминалось, в первой трети XIX века в искусстве ростовского художественного центра возникают новые тенденции, связанные с изменением стилистики произведений и проникновением в миниатюру светских сюжетов. Появление этих тенденций в определенной мере было обусловлено влиянием на эмальерное дело станковой живописи местной школы. В различных городах и дворянских усадьбах Ярославской губернии в этот период работали такие интересные самобытные художники-портретисты, как Е. Кажеменков, Н. Мельников, И. Тарханов, Д. Коренев, П. Колендас. Творчество этих мастеров, а также других, ныне безвестных провинциальных живописцев имело существенное влияние на культурную жизнь Ростова, а также на его финифтяной промысел. Эмальеры все чаще обращаются к жанру портрета, в котором их привлекают широкие возможности отражения душевного мира человека, его мыслей и эмоций. В этот период одни мастера, продолжавшие работать над церковными заказами, все активнее используют в своем творчестве достижения станковой живописи, другие совсем порывают с религиозной тематикой. Изменяются технические приемы исполнения миниатюр, эволюционирует в связи с этим профессиональное мастерство художников. Некоторые из них создают в это время такие произведения, которые выделяются не только среди памятников местной живописи, но и занимают достойное место в истории отечественного эмальерного искусства. К числу таких художников принадлежит прежде всего Н. А. Сальников, творческий путь которого начался в 40-х годах XIX века. Лучшие же произведения создаются им в середине столетия. Биографические сведения о мастере так же, как и о многих других эмальерах, далеко не полны. Особенно это касается раннего периода его творчества. В середине пятидесятых годов имя Сальникова встречается в документах Академии художеств, где за эмалевый миниатюрный портрет А. П. Брюллова ему было присуждено звание свободного художника, а также в отчетах ростовской выставки 1880 года, на которой он за свои работы был удостоен похвального листа . Круг известных произведений Сальникова также не очень значителен. Среди них миниатюра с изображением архангела Гавриила, воспроизводящая фрагмент картины В. Л. Боровиковского (Ростовский историко-художественный музей-заповедник), портрет ярославского губернатора К. М. Полторацкого , портрет неизвестной (1847), несколько разновременных миниатюр, представляющих Николая I, изображение великой княгини Марии Александровны (1848), а также портрет неизвестного (все — ГИМ). Среди произведений этой небольшой галереи своими художественными качествами выделяется миниатюра с изображением ветерана Отечественной войны 1812 года — ярославского губернатора К. М. Полторацкого.

Характерной особенностью этого портрета является ярко выраженный романтизм. Кроме того, что было свойственно преобладающей части подобных портретов, в нем отчетливо проступает отношение художника к модели. В отличие от многих заказных произведений, в которых мастер как бы внутренне отстраняется от собственной эмоциональной оценки объекта, в романтическом портрете он с глубоким вниманием и симпатией изучает внутренний мир своего героя, находя в нем черты духовной близости, единства чувства и мыслей. Ветераны битв с наполеоновскими армиями были образцом нравственных, моральных качеств для людей многих поколений. Именно поэтому так естественна симпатия, которую живописец испытывал к портретируемому. К произведению Н. А. Сальникова в какой-то мере применимы те же слова, которыми в одном из исследований искусства этого времени определен образ Е. В. Давыдова в известном портрете работы О. А. Кипренского (1809; ГРМ): «Здесь находят свою героизацию реальные черты лучшей части офицерства начала века, соединяющей богатую духовную культуру с гуманностью социальных воззрений и обостренным чувством личной чести»1 . Миниатюра ростовского художника в какой-то мере действительно близка шедевру русской портретной живописи, а также портретам знаменитой Галереи героев Отечественной войны 1812 года в Государственном Эрмитаже.

Следуя основным принципам романтического направления в русском искусстве, Сальников выразил в своем творчестве не только идеи гражданственности и патриотизма. Созданным им образам были свойственны также лиризм и интимность, особенно отчетливо прозвучавшие в жанре эмалевой миниатюры. На женском портрете 1847 года (ГИМ) представлена юная, мечтательная девушка с тонкими привлекательными чертами лица. Несмотря на внешне спокойную позу, несколько статичную горделивую осанку модели, художник вносит в изображение элемент внутреннего напряжения, как бы подчеркивая тем самым эмоциональную динамику образа. Трехчетвертной поворот фигуры, приподнятая голова, широко раскрытые, внимательно смотрящие па зрителя глаза, будто на мгновение застывшая у подбородка рука придают портрету настроение некой взволнованности. Это впечатление усиливается беспокойной ритмикой складок широкого шарфа из легкой прозрачной ткани, ниспадающего с плеча молодой женщины, а также бурной пластикой развевающегося полога, служащего фоном для портретируемой.

Динамизм композиционного и графического решений миниатюры уравновешивается мягким, словно акварельным колоритом, основанным па сочетании бледно-розовых, голубых, зеленоватых цветов. Именно они создают впечатление просветленности, лиричности образа, возможно написанного Сальниковым под обаянием широко распространившихся во второй трети столетия акварельных портретов А. П. Брюллова, П. ф. Соколова и других художников.

Наряду с портретными изображениями, в творчестве мастеров ростовской школы финифти все более значительное место занимают миниатюры, которые следует отнести к бытовому жанру. Появление подобных произведений было также обусловлено влиянием станковой живописи, в которой в 60—70-е годы XIX века жанровая тематика становится ведущей. Однако сложные, детализированные изображения не всегда соответствовали камерному духу эмалевой миниатюры, кроме того, мастера финифти, как правило, не обладали значительным опытом в построении многофигурных композиций. Именно поэтому большинство из произведений на жанровую тематику были копийными. В них воспроизводились те или иные живописные полотна отечественных и зарубежных художников различных эпох.

Во второй половине XIX столетия в производстве образков и бытовых изделий все большее значение приобретают фотография-дагерротип и цветная печать. В этот период в Ростове открывает свой филиал фирма «Жако и Бонакср», наладившая массовый выпуск образков в виде жестяных штампованных пластинок, украшенных переводными картинками с разнообразными изображениями церковного характера, имитирующими финифтяные . Для того чтобы выдержать конкуренцию с серийным механическим производством дешевой продукции, ростовским художникам было необходимо выполнять в день по нескольку десятков, а то и сотен эмалевых миниатюр. Это требовало перестройки процесса их создания и дополнительного разделения труда между мастерами. Помимо финифтяника, подготавливающего загрунтованные белые эмалевые пластинки — «штуки», — или как их еще называли «белье», в этот период отдельные мастера, а чаще всего подмастерья, выполняли припорох — перевод рисунка с бумажного шаблона через проколы на эмалевую поверхность; другие наносили предварительную красочную прокладку; третьи, в завершающей стадии, прописывали детали изображения. Кроме того, процесс грунтовки пластин и их обжига порой подразделялся на несколько операций, также проводившихся различными специалистами. При значительно увеличившемся выпуске изделий усилия одного мастера и членов его семьи, которые еще несколько десятилетий назад справлялись с полным объемом работы, стали недостаточными. Поэтому начался процесс объединения их семей в небольшие артели. Налаженное таким образом производство позволило мастерам решить некоторые экономические проблемы и тем самым предотвратить полное угасание промысла. Однако подчинение его жесткому, почти промышленному ритму отрицательно сказалось на художественном уровне произведений ростовских эмальеров. Опыт профессионального мастерства, унаследованный от художников предшествующих поколений, в этих условиях уже не пополнялся собственными творческими поисками и достижениями, что привело к примитивизации форм и сюжетной узости миниатюр, тематика которых ограничивалась лишь несколькими типами религиозных изображений.

На кризисное состояние ростовской школы эмалевой миниатюры указывали современники. Известным знатоком эмальерного искусства Н. Кондаковым в предисловии к специальной работе А. А. Титова, посвященной проблемам ростовского художественного промысла конца XIX — начала XX века, было написано: «Под давлением современного машинного производства и поставляемых им всякого рода имитаций или попросту подделок, рассчитанных на обман и мнимую дешевизну, это высокое мастерство по всей вероятности скоро исчезнет в кустарном народном производстве».

Одним из путей выхода из кризисной ситуации, по мнению современников, было возрождение уже почти утраченных в этот период традиций на основе формирования специальной школы эмальерного дела, учреждения, которое объединило бы местные творческие силы. Первая попытка организации подобных учреждений, предпринятая в 1900 году, успеха не имела. Лишь созданная в 1911 году Министерством земледелия и торговли школа-мастерская подготовила ряд талантливых мастеров, творчество которых расцвело уже в последующие десятилетия.

В 1980-е -- 1990-е гг. многие талантливые ростовские эмальеры становятся свободными художниками и так же, как и их предшественники - мастера финифтяных дел прошлых столетий, работают в собственных мастерских. В эти же годы в ростовскую живопись по эмали вновь, спустя семидесятилетие, возвращается и занимает свое достойное место икона. Активно развивается также ювелирное искусство. Современные мастера создают не только обрамления для иконописной миниатюры, но и сложные по технике исполнения произведения с перегородчатой и расписной эмалями.

Источник: http://finifty.ru/Istoriya_Rostovskoie_finifti/
  
#35 | Анатолий »» | 11.03.2016 15:26
  
2
Финифть!
Чудесная работа мастеров!

















  
#36 | Анатолий »» | 11.03.2016 15:38
  
0
Финифть!
Во всем своем великолепии и разнообразии!
























  
#37 | Анатолий »» | 21.03.2016 16:21
  
1
Павлово-посадские шали.


















История Павловопосадского платка.


История павловопосадского платка начинается с конца 17 века, и именно благодаря российским мастерам, этот головной убор стал известен во всем мире и давно уже стал визитной карточкой России. Но, в отличие от русской матрешки, павловопосадские платки кроме эстетической ценности обладают также широчайшим практическим применением.

Впервые о Павлово-Посадской фабрике по изготовлению платков с авторским печатным рисунком упоминалось в 1795 году. Как и многие подобные производства, это было основано зажиточным крестьянином — Иваном Лабзиным. В те годы крестьяне охотно начинали собственный бизнес, но не каждый разрастался так, как предприятие, основанное Лабзиным, а уж тем более далеко не каждый приобретал такую славу.

russ_platok_ (3)

В 50-х годах XIX века промысел по изготовлению платочных изделий развернулся в торговый дом «Яков Лабзин и Василий Грязнов», производящий набивные шали и платки. Многокрасочные платки прославили Павловский Посад на весь мир.

Роскошная роза, переливающаяся всевозможными цветами радуги, стала символом павловопосадского платка. А сложившийся стиль — от крупного рисунка по краям к мелкому в центре, а по углам — броские цветы — и сегодня является визитной карточкой фабрики.

Число тонов в рисунке от 10 до 18, но может доходить и до 30. Компоновка узоров овалами, звездами, «медальонами», фигурами из цветочных гирлянд или орнаментальных полос добавляют рисунку оригинальность. Примечательно, что русские художники позаимствовали элементы для росписи платков из других культур: это и лотос, и ромашка, и античные вазы, и букетики цветов, и птицы, и древние символы, и многие другие образы…

Однако, главным лейтмотивом павловопосадских платков все равно остается жизнь российского народа: на ткани художники умудряются запечатлеть и нелегкую судьбу, и тут же рядом — радостные и веселые эпизоды из жизни людей.

russ_platok_ (2)

Изначально искусные мастера расписывали платки вручную, что требовало особого мастерства. Однако, на рубеже 18-19 веков производство было автоматизировано московскими фабрикантами Гучковыми. И тут же русские платки стали получать высочайшие награды за качество на ярмарках и выставках. Уже тогда техника производства позволяла делать узоры на платках одно — и двухсторонними, предлагался огромный выбор платков: и по разнообразию узоров, и для разной погоды, и для разных случаев. Конечно, доступны они были изначально женщинам из более высоких сословий купцов.

russ_platok_ (5)

В то время было несколько известных фабрик: в Калужской губернии фабрика Александровых и в Московской губернии павловопосадская мануфактура Лабзина и Грязнова, в дальнейшем получившая наибольшую известность из всех российских платочных производств. У каждой фабрики есть своя визитная карточка: узор, по которому сразу видно, какая фабрика выпустила платок. Например, павловопосадские платки знамениты густым цветочным рисунком: по краям платка это пышные цветы (как правило, полевые, садовые, которыми богата земля русская; также это лилии, однако, рисунок хоть и считается классическим, но встречается реже, чем, например, розы), в центре чаще всего располагаются небольшие гирлянды. Также в павлопосадских платках используются восточные орнаменты (восточный огурец или пейсли — декоративный орнамент каплевидной формы), которые пришли в Россию из Азии. В любом случае, это всегда разнообразие узоров, фактуры ткани и несомненное качество.

На фабрике сложилась авторская школа создания платочных рисунков. Художники, работающие на предприятии, — члены Союза художников и Союза дизайнеров. В 1981 году они были удостоены Государственной премии РСФСР имени Ильи Репина, а в 1999 году — Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства.

russ_platok_ (6)

Современные павловопосадские платки изготавливаются не только из шерсти, но также из шелка и хлопка. Кроме платков, выпускается большой ассортимент шалей и шарфов. Всю эту продукцию можно узнать безошибочно — даже самые современные рисунки выполнены в традиционном стиле Павловского Посада: многоцветные, яркие, с филигранной проработкой деталей.

Может быть, популярности павловопосадских платков способствует то, что один из ее основателей был святым. Василий Грязнов (тот самый, который участвовал в основании торгового дома «Яков Лабзин и Василий Грязнов», живший в 1816-1869 годах) был канонизирован в августе 1999 года Русской православной церковью в лике святого Московской епархии как Праведный Василий Павлово-Посадский.
Не удивительно, что искусство изготовления павловопосадских платков обладает высокой духовностью. Без нее просто не создать уникальные рисунки, делающие продукцию фабрики популярной во всем мире.

russ_platok_ (4)

Изначально платок представлял собой элемент национального костюма, его надевали по случаю праздника или торжества или, наоборот, в печали (недаром фабрики производили платки для разных житейских ситуаций). Платки испокон веков были обязательным атрибутом традиционного костюма русской женщины. По традиционному обычаю замужняя русская женщина обязательно прятала волосы под головным убором.

Со временем павловопосадские платки получили более широкое применение: сегодня они являются любимым головным убором и украшением многих модниц, его носят в повседневной жизни, в любое время года. Павловопосадские платки и по сей день считаются самыми красивыми, качественными и шикарными. Для многих женщин — это лучший подарок.

Источник: http://leclubrusse.com/istoriya-pavlovoposadskogo-platka/





  
#38 | Анатолий »» | 22.03.2016 14:34
  
1
Павлово-посадские шали.





















































  
#39 | Анатолий »» | 03.04.2016 13:09
  
0
Вологодское кружево.









История вологодского кружева.

Вологодское кружево обладает особой самобытной красотой. На развитие орнаментального искусства кружева большое влияние оказали узоры резьбы по дереву, орнаменты ткачества, старинные вышивки, особенно ажурная вышивка «вологодское стекло» с разнообразными «снежинками» и «паучками» на сквозных фонах. Эта вышивка в основном бытовала в Вологодском уезде, и именно на этой территории промысел развивался особенно интенсивно.

Орнамент вологодского кружева характеризуется мягко-изогнутыми плавными линиями рисунка, он всегда графически чёткий, ритмичный и может состоять из геометризированных фигур или растительных обобщенных форм. В растительных узорах преобладают мотивы из гибких ветвей с петлеобразными листьями, трилистниками, круглыми или вытянутыми лепестковыми и лапчатыми цветами, веерообразными мотивами, подковообразными фигурами и т. д.

Узоры на изделиях обычно располагаются по окружности широкими каймами со свободной или заполненной орнаментом серединой, идут по периметру изделия, собираются в полосы разной ширины, могут быть распределены по всему ажурному фону. Композиции часто строятся из зеркально симметричных мотивов, придающих кружеву строгость и особую статику. Отличительной чертой вологодского кружева является большое разнообразие фоновых решеток.

Развитие кружевного промысла на Вологодской земле

На Севере кружево появилось, вероятно, не ранее второй половины ХVI века, со времени открытия «северного морского пути», когда Вологда становится крупным торговым центром, и в город приплывают иностранные корабли из Европы с товарами, в том числе и кружевными. В ХVII веке заграничное кружево в страну поступает в большом количестве. Оно становится любимым украшением одежды и предметов быта, символом богатства, знатности и состоятельности. В музейном собрании Вологодского музея самые ранние сохранившиеся кружева относятся также к ХVII веку, выполнены они из золотых и серебряных нитей.

В ХVII же веке на Руси было организовано производство металлических кружев, сначала в Оружейной палате, а позднее плести золотные кружева стали в женских монастырях (1), особенно в тех, где было развито искусство лицевого шитья. Есть сведения, что кружево изготовляли также и в крупных ремесленных ювелирных центрах, таких как Сольвычегодск (2).

Металлические кружева выплетали из пряденых, а также кручёных золотых и серебряных нитей. Прочность и упругость такому кружеву придавали шёлковые или льняные нити, на которые плотно наматывались металлические. Цена кружева определялась по весу (золотники), а не по сложности и качеству работы. Металлическое кружево (золотное) нашивали на одежду из плотных дорогих тканей, ими украшали церковные предметы и одежды священнослужителей. Распространенными узорами металлического кружева были геометризированные розетки – «репья», «гребешки» – мотивы в виде вееров, волнистые линии – «речки», квадраты, поставленные на угол, («денежки»), прямоугольные углы, вписанные друг в друга (в народе этот узор получил название «кораблик») и тюльпанообразные цветочные мотивы. В ХVIII веке в металлическое кружево стали вводить цветную бить, что было исключительно русским приёмом.

В конце ХVIII века спросом в стране пользуются нитяные кружева, которые поступают из западноевропейских стран. Популярны были фламандские, брюссельские, голландские кружева, французские «малин», «шанталь», «брабант», названные так по названиям провинций, где сформировались центры кружевоплетения. Мода на кружева способствовала появлению в стране кружевных мастерских при дворянских и помещичьих усадьбах. В начале ХIХ века в Вологде были также организованы первые кружевные фабрики. Известность получила кружевная фабрика В.А. Засецкой, образованная в 1820 году в селе Ковырино под Вологдой. За образец принимались модные в то время узоры иностранного происхождения, чаще всего немецкие.

Долгое время плетение кружев была домашним занятием. С первой четверти ХIХ века искусство кружевоплетения на вологодской земле складывается в промысел (3). В 1840-х годах вологодская кружевница Анфия Фёдоровна Брянцева изобрела своеобразную технику плетения штучных изделий, которая получила название «вологодский манер» (4). Дочь её Софья Петровна считалась «первой кружевницей Вологды», в 1840-60-х годах она обучала новому способу изготовления кружевных изделий жительниц Вологды и окрестных деревень.

После отмены крепостного права (1861 г.) плетением кружев начинают активно заниматься крестьянки в Кадниковском, Вологодском, Грязовецком уездах. Вологодским земством была предпринята попытка ввести плетение кружев в Тотемском, Велико-Устюжском, Вельском и Усть-Сысольском уездах (5). В Усть-Сысольском уезде кружева плели только в Нювчимском заводе местные крестьянки, но рисунки и нитки им высылали из Вологды (6). Однако кружевное ремесло в этих центрах не заняло ведущего места и просуществовало недолго. Основные центры сформировались около Вологды и в западных районах области. Кружево вологодских мастериц отличалось богатым разнообразием узоров, получивших в народе поэтические названия: меленка, ключики, черепашка, веерок, фарфорики, гусиные лапки, морозы, звёздочки, паучок, устьянская тёрка, банты, роза и т. д. Орнаменты большей частью строились из простых или сложных геометрических форм: «городчатых» ромбов, крестов, квадратов, «гуськов», овалов, зигзагов, перекрещенных крючьев, звёздочек из насновок. В кадниковском кружеве часто встречаются геометризированные изображения птиц, стоящих по сторонам древа, «птиц-пав», двуглавых орлов. Все эти узоры характерны для мерного парного кружева, а растительные формы из ветвей и цветочных мотивов были развиты в сцепном кружеве.

Со строительством железной дороги Ярославль – Вологда (1872 .), а позднее и Вологда – Санкт-Петербург (1906 г.) кружевной промысел распространяется особенно быстро. Кружева плели в самых разных слоях населения: крестьяне, мещане, монахини, а также женское население из семей священнослужителей (7). По статистическим данным в 1912 году на Вологодскую губернию приходится 39,5% всех кружевниц России (8). Однако заработки кружевниц были низкие - 20 коп. в день. Заработок в 25 – 30 коп. считался уже большим (9). Кружевницы, которые могли делать сколки и продавать их, зарабатывали чуть больше. Интенсивное освоение кружевоплетения населением Вологодской губернии привело к активному использованию детского труда. Труд девочек составлял 20% от всего количества мастеров, занятых в производстве (10), мальчиков в возрасте от 7 – 15 лет (11) было 0,9 % от общего числа.

Скупщичество

С развитием кружевного промысла появились скупщики, которые, объезжая деревни, где плели кружево, скупали весь товар без браковки, снабжали мастериц нитками и сколками. Некоторые скупщики брали продукцию в долг до продажи, поэтому многие кружевницы попали к ним в зависимость. Продукция вологодских кружевниц через сеть перекупщиков поступала в магазины Петербурга, Москвы, достигала Кавказа и других городов с ценой в несколько раз превышающей закупочную. По исследованиям В.Н. Шелгунова «кружевница продает 10 аршин кружева за 15 коп., скупщица перепродает его «кубенке», второстепенной скупщице, как правило, крестьянке, живущей на Кубенском озере, за 20 коп., та комиссионерке за 25 коп., в лавку оно поступает за 30 коп., покупатель же платит 40 коп.» (12). Широко распространенное кредитование кружевниц в конце ХIХ века привело к снижению стоимости кружева для мастеров и тем самым к снижению художественного уровня и качества плетения. Кружевницам выгоднее было увеличивать количество, чем заботиться о качестве. Они уже не стремились выплетать сложные рисунки. Утрачивались местные особенности промысла, так как скупщики часто привозили сколки из разных мест и делали по ним заказы. Однако надо признать, что без посредников (торговок, скупщиков) кружевницы вряд ли бы имели возможность сбыть свою продукцию, особенно в отдалённых населённых пунктах.

Создание Кустарного комитета в Вологде

Губернское земство, чтобы помочь мастерам избавиться от скупщиков и сохранить самобытные черты кружева, в 1886 году создало в Вологде Кустарный комитет. При комитете работал склад под названием «Вологодская кустарная выставка», который снабжал кружевниц сырьем, принимал готовые изделия, экспонировал лучшие. Для улучшения качества работы местных кружевниц, на базе кустарной выставки была организована школа, просуществовавшая в Вологде до 1914 г. и выпустившая 35 кружевниц (13).

С учреждением в Вологде кустарного комитета произведения мастеров стали постоянно участвовать в больших ярмарках, экспонироваться на торгово-промышленных, сельскохозяйственных и международных выставках. В 1876 году кружево из Вологды было представлено на выставке в Филадельфии, а на выставку в Чикаго в 1892 году были отправлены изделия Александринского детского приюта (14).

В конце ХIХ – начале ХХ века модными были чёрные и кремовые шелковые косынки, шарфы, платки с узорами из цветов и птиц, манто, кофты. Изделия выплетали обычно из льняных, лощёных ниток, из чёрного и кремового шёлка, а также из материала, получаемого из бумажных и крапивных ниток с особой отделкой, которая придавала им наружный лоск и упругость. Такие нити назывались также шёлковыми, но стоили значительно дешевле (15).

Создание кружевных артелей

События первой трети XX века - Первая мировая война (1914 г.), революционный переворот (1917 г.) и начавшаяся гражданская война (1918 г.) – практически уничтожили вологодский кружевной промысел. Плести кружево продолжали только для себя, лучшие мастера в узорах старательно сохраняли народные традиции. В 1919 году Правительством СССР был издан Декрет о мерах содействия кустарной промышленности. С 1919 по 1921 год кустари были объединены в промысловые артели, в том числе и кружевницы. В 1921 году в Вологде учреждается промкооперативный союз Артельсоюз, а в 1930 году кружевницы выделились в самостоятельный союз - Волкружевсоюз, который объединил 50 артелей. Форма организации труда в артелях была в основном надомная. Сначала плели по старым сколкам, но новые условия жизни требовали и нового ассортимента и новых рисунков. Создаются крупные произведения для интерьеров, при выполнении которых мастера используют технические приёмы вологодского кружева и сюжеты, традиционные для народного искусства. Так, в разработке рисунка занавеса «Павлины» А. Воробьёвой используется трехчастная композиция из Древа-цветка и двух птиц, стоящих по сторонам. В 1920-е годы появилась целая серия небольших кружевных панно на сюжеты басен И.А. Крылова, сказок А.С. Пушкина, с изображениями портретов политических вождей, писателей, военачальников. В своей монографии М.А. Сорокина приводит интересные данные о том, что по воспоминаниям старейшей кружевницы А.К. Соколовой, рисунки для этих произведений делал художник И.Л. Скородумов, который в то время работал в Волкружевсоюзе (16). Однако основным в производстве остаются в это время мерные кружева, выработка которых составляла до 65% всей годовой продукции (17).

Популярность вологодского кружева послужила тому, что с 1925 года оно стало экспортироваться заграницу. По договорам изделия отправлялись в Англию, Швейцарию, Францию, Америку, Австралию, Германию, Японию (18).

Эти заказы вологодские кружевницы исполняли не по своим разработкам, а по присланным рисункам.

В 1925 году на Международной художественной выставке декоративного искусства в Париже вологодские кружева получили золотую медаль (19).

В 1930-е годы кружевницы работают над созданием разнообразных кружевных переплетений, создают новые орнаментальные композиции с советской символикой (серп и молот, пятиконечные звёзды, гербы республик). Модными в кружеве в то время становятся изображения самолётов, парашютов, поездов, тракторов, пароходов и т. д. Мастера сумели преобразовать технические новинки времени в декоративные плоскостные изображения, вписать их в растительные мотивы, не разрушив орнаментальную природу вологодского кружева.

В 1932 году кружевной промысел переживает кризис, на складах скапливается нереализованная продукция (20). В 1935 году после Постановления СНК РСФСР «О развитии кружевных промыслов» (от 27.11.1934 г.) и получения единовременной ссуды (21), наступило коренное улучшение финансового состояния промысла. В Волкружевсоюзе была введена ежегодная подготовка и переподготовка кадров, развёрнуто соцсоревнование, ударничество и стахановское движение.

Вологодская художественная профессионально-техническая школа кружевниц

В 1928 году в Вологде для подготовки кружевниц открывается профтехшкола, в программах которой предусматривалась также и подготовка заведующих производством в кружевных артелях. Главным организатором школы была Ю.П. Шипова (Бараева), окончившая Мариинскую кружевную школу в С-Петербурге и работавшая в Артельсоюзе инструктором. В школе она преподавала кружевоплетение. В 1931 году в качестве преподавателя изобразительного искусства в школу была приглашена А.А. Перова-Никитина.

Учащиеся школы под руководством опытных педагогов разработали большое количество фоновых решеток, тем самым, обогатив вологодское кружево, сделав его необычайно узорным, изящным и воздушным. В 1940 году Вологодская кружевная школа становится центральным учебным заведением республиканского значения с непосредственным подчинением ее Всекомпромсовету. С 1942 г. школу возглавила К.В. Исакова, творческий и одаренный художник, блестящий педагог и организатор.

До 1941 года школа выпустила 330 кружевниц, почти все они стали инструкторами и заведующими производством. Большой опыт и хорошая постановка работы в школе позволили готовить кадры для районных кружевных центров.

Художественная лаборатория

Расширение тематики и обновление ассортимента в кружеве было также связано с созданием в 1936 году экспериментальной художественной лаборатории. Первыми художниками лаборатории стали А.К. Соколова, А.Г. Петрова, позднее пришли В.Д. Веселова, М.Н. Груничева. Художники создавали произведения в духе времени, но с учётом национального стиля и законов народного искусства, они много экспериментировали, находились в неустанном поиске новых технологических приёмов. В 1937 году в Париже вологодское кружево «за новизну и художественное исполнение» получило высшую награду – Гран-при.

Небольшие салфетки, абажуры, панно отличались тонко проработанным орнаментом, лёгкими, необычайно ажурными фоновыми решётками. Среди них следует выделить сложно-сюжетные произведения - панно «Мавзолей Ленина» (1939-40 гг.), созданное А.Г. Петровой в содружестве с А.А. Перовой-Никитиной, панно «Достижения земледелия и животноводства в Вологодской области» (1940 г), разработанное А.Г. Петровой, М.Н. Груничевой, А.К. Соколовой, Е.И. Отуриной, А.А. Кораблёвой. Примечательным явлением в промысле становиться работа над произведениями, отражающими юбилейные даты страны. Так, в 1947 году появляется огромный занавес «30 лет Советской власти», выполненный по рисунку В.Д. Веселовой, в котором традиционные растительные орнаменты из яблоневых цветов и дубовых листьев, помещённые в крупные ромбы, окружают пятиконечные звёзды и римские цифры, обозначающие юбилейную дату. В 1940-е годы кружевницы уделяли много внимания мерному кружеву, которое в основном использовалось для отделки белья. В 1935-40-е годы продукция вологодских кружевниц составляла 1/3 всей кружевной продукции в стране (22).

Развитие кружевного промысла в послевоенное время

В начале Великой Отечественной войны мастерам пришлось расстаться с любимым делом, но уже в 1942 году вышло Постановление СНК СССР «О восстановлении и развитии кружевного вологодского промысла» (25 августа 1942 года).

Послевоенные годы оказались сложным периодом для промысла. Экономика страны была разрушена, недоставало средств для развития производства, улучшения условий труда. Внимание художников было обращено на создание бытовых предметов: скатертей, покрывал, накидок, салфеток, дорожек, накомодников, занавесок на окна, ламбрикенов. Для удешевления изделий художники создавали крупные орнаментальные композиции, технологически легко и быстро выполнимые. В эти годы для мастеров кружевоплетения характерно обращение к растительному орнаменту, попытка усилить декоративно-образное начало, мотивами узоров служат лепестковые цветочные розетки, снежинки, ёлочки, цветущие ветви, кусты и т. д. Нововведением в промысел является в эти годы бригадный метод: опытные мастера и молодые художники работают вместе над созданием больших выставочных произведений. Совместный творческий процесс воспитал много новых молодых мастеров, которые позднее самостоятельно создавали кружевные композиции.

В конце 1950-х годов перед художниками промыслов была поставлена задача – создание недорогих, но высокохудожественных изделий для массового производства. Талантливые и яркие художники В.Д. Веселова, М.Н. Груничева, К.В. Исакова, В.В. Сибирцева, В.Н. Ельфина на основе традиций разрабатывают множество новых предметов, современных и доступных покупателю, тем самым значительно расширяя ассортимент. М.Н. Груничевой и К.В. Исаковой были предприняты попытки возрождения цветного кружева. Мягким колористическим решением отличаются портьеры К.В. Исаковой «Петухи» (1952 г), а М.Н. Груничева создала серию небольших воротничков, вставок с бисером и цветными нитями. В золотой фонд вологодского кружевного промысла вошли её скатерти «Цветы осени» (1952 г), «Цветочная» (1954 г) с центрическими композициями из тонко-рельефных динамичных растительных орнаментов, контрастирующих с лёгкими ажурными узорами решёток. Особым поэтическим чувством наполнены произведения В.Н. Ельфиной, они привлекают внимание своими крупными декоративными узорами, богатством элементов в разработке мотивов. Символом кружевного промысла считается её скатерть «Снежинка» (рис. 1959 г.), узор и фон которой построен на масштабном соотношении разнообразных снежинок и ёлочек. Снежинки различных форм и фактуры являются также главными элементами в композициях кружевного занавеса и покрывала В.В. Сибирцевой, произведения её отличаются хорошим вкусом и тщательностью отделки. Много разнообразных бытовых предметов: небольших салфеток, дорожек, воротников, отделок разработали Н.П. Евдосеева, возглавлявшая кружевную артель в 1960-е годы, и мастер кружевоплетения Г.Г. Морозова (Янова).

В конце 1950-х годов кружевной промысел Вологды переживал период небывалого подъёма, что наглядно продемонстрировала выставка-смотр народных художественных промыслов (ВДНХ, г. Москва).

Организация Вологодской кружевной фабрики

В начале 1960-х годов художественные промыслы, в том числе и кружевной, подверглись реорганизации, промысловая кооперация была упразднена, артели объединены в предприятия с государственной плановой экономикой. В 1960 году в Вологодской области на базе бывших артелей были организованы 5 кружевных фабрик: Вологодская, Усть-Кубинская, Сокольская (с центром в селе Устье), Кубено-Озерская и Грязовецкая, а позднее в 1964 году фабрики были объединены в Вологодское кружевное объединение «Снежинка» (23). Это время характеризуется изменением прежних эстетических представлений, идет тенденция к большей сдержанности в формах изделий и в орнаментах. В истории отечественных промыслов новая эстетика получила название «сурового стиля». Однако большее значение в этот период имеет продуманность технологических решений и использование новых химических материалов (лавсана). При всей скупости и лаконичности художественных средств в крупных выставочных изделиях художники добиваются раскрытия смыслового значения темы, более полного выражения своего замысла. Красота русского севера с заснеженными просторами прекрасно передана в рисунке скатерти «Северное сияние» (1961 г.) К.В. Исаковой, и в её вытянутом по вертикали панно «Олени»* (1966 г.), в тонкой узорности занавеса «Север» (1959 г.) В.Д. Веселовой. Для выражения идеи художники используют приёмы повтора мотивов и масштабного соотношения фигур, располагая их по окружности, выстраивая в ряд, или уступами. Часто рисунки кружевных изделий вписываются в квадраты, прямоугольники, как, например, в занавесе «Сказка о царе Салтане»* (1967 г.), скатертях «Ладья» (1968 г.), «Узорная» (1969 г.) В.Д. Веселовой, скатерти «Квадратная» (1966 г.) В.Н. Ельфиной.

В 1968 году вологодские художники-кружевницы К.В. Исакова, В.В. Сибирцева, В.Д. Веселова, Э.Я. Хумала, В.Н. Ельфина за развитие традиций ручного вологодского кружева были удостоены Государственной премии им. И.Е. Репина.

В 1969 году на ХХV юбилейной Международной выставке в Пловдиве объединение «Снежинка» за представленные кружевные произведения было награждено Золотой медалью (от 3.09.1969 г.).

Для вологодского промысла во 2-ой половине 1960-х – 1970-х годов характерно общее для всего северного кружева появление тем, связанных с народными праздниками, обычаями, фольклором. Из кружева уходит сухость, геометризм и плоскостность, усиливается тяга художников к мягко струящимся растительным орнаментам. Выставочные произведения несут в себе ощущение сказки, они содержательны и сложны своими технологическими приёмами. Художники обращаются к обильному декору, к большей экспрессивности и динамичности.

Одним из направлений кружева конца 1960 – начала 1970-годов стало сотрудничество кружевниц с домами моделей Москвы, Ленинграда, Куйбышева, Киева. В национальном стиле совместно с модельерами создаются душегреи, фартуки-запоны, пелерины. Совместно с модельером П. Сальковой А.А. Кораблёва создаёт коллекцию одежды с вологодским кружевом, в которой она активно использует множество оттенков одного цвета, сочетает контрастные цвета. Особая роль в работе над костюмом принадлежит Э.Я. Хумала. Ей нравится разрабатывать новые кружевные элементы, превращать при помощи кружева простые вещи в настоящие произведения искусства.

В 1970 - 1980-е гг. вологодский кружевной промысел развивался особенно активно. В промысле работает 6,5 тысячи кружевниц (400 из них трудятся на предприятии). В творческую лабораторию кружевного объединения «Снежинка» приходят молодые и энергичные выпускники МХПУ им. М.И. Калинина: Г.Н. Мамровская, А.Н. Ракчеева, Н.В. Веселова, позднее М.Ю. Пальникова. Они прекрасно знают основы вологодского кружева, его историю и в своем творчестве умело используют богатейший опыт предшественников. 1970-е годы – наметилась тенденция к более подвижной композиции с усложненным ритмом линий и форм, колоритом, фактурой, обращение к фольклорно-образным мотивам. Создаются произведения, связанные с праздниками, обычаями: скатерть «Чаепитие» (1977 г.) и панно «Поющее дерево» (1978 г.) В.Н. Ельфиной, панно «Веселая деревня» (1977 г.) А.Н. Ракчеевой и «Вологодские частушки»* (1973 г.) Г.Н. Мамровской. В цветочные орнаменты вводятся стилизованные изображения женских и мужских фигур, головы и руки которых решаются как цветочные венчики, а женские юбки изображаются в виде тюльпана-колокола. Этот период характеризуется в искусстве как эпоха «ретростиля», «стиля памяти».

В 1980-е годы лучшие мастера предприятия получают звание «Мастер – золотые руки», «Лучший наставник молодёжи», «Мастер-художник I класса», «Мастер высшего класса» (24).

В 1986 году за успешную работу, большой творческий подъём и создание уникальных выставочных изделий Вологодское кружевное объединение было награждено орденом Трудового Красного Знамени. А.Н. Ракчеева и В.Н. Ельфина разработали в кружеве изображение ордена.

В 1980-е годы продолжают сохраняться прежние тенденции, но композиции работ усложняются, художественный язык произведений становится более эмоциональным и образным. Прекрасная зимняя сказка прочитывается в скатерти А.Н. Ракчеевой «Метелица» (1982 г), пышный сад с райскими птицами изображён в занавесе «Рассвет» (1981 г.) Г.Н. Мамровской, лирическим настроем веет от её скатертей «Весенний перезвон» (1984 г.) и «Жаворонки»* (1987 г.). Характерными для эпохи являются и создание монументальных произведений с предельно стилизованными цветочными мотивами, таких как занавес «Воспоминание» (1982 г.) Н.В. Веселовой, и создание произведений, несущих в себе глубокую смысловую нагрузку - панно «Мир дому твоему» (1982 г.) Г.Н. Мамровской. Художников привлекают архитектурные памятники города. В кружевном панно «Вологда» (1984 г.) А.Н. Ракчеевой звучит дань уважения кружевницам, восхищение их искусством. Интересы художников простираются на конкретные литературные произведения – создаются скатерти «Угощаю рябиной» (1982 г.) по повести А.Я. Яшина, «Красные цветы мои» (1984 г.) на стихи Н.М. Рубцова, созданные В.Д. и Н.В. Веселовыми, панно «Муза Батюшкова»* по лирике К.Н.Батюшкова (1987 г) В.Д. Веселовой совместно художником В.П. Кордюковым. Сложно построенным орнаментальным узорочьем отличается скатерть на фольклорный сюжет «Весёлая ярмарка» (1989 г.) М.Н. Пальниковой.

Создание ЗАО «Вологодская кружевная фирма «Снежинка»

В 1992 году в связи с политико-экономическими преобразованиями и реорганизацией всей экономики страны Вологодское кружевное предприятие перешло в коллективную долевую собственность, было преобразовано в ТОО и стало называться Вологодская кружевная фирма «Снежинка» (25). В 1995 году после акционирования она получила название - ЗАО «Вологодская кружевная фирма «Снежинка» (26). Фирма начала активно работать на современном рынке, продвигая свою продукцию. Об этом говорят многочисленные награды, завоеванные вологодскими кружевницами - Золотая медаль на Всероссийской выставке «Покупайте российское» (1998 г.), неоднократные победы в конкурсе «Мы выбираем – нас выбирают» (2000 г.). Фирма «Снежинка» ежегодно участвует в конкурсных показах коллекций одежды на Всероссийских ярмарках «Российский лён», проходящих в Вологде, и всегда получает высшие награды в таких номинациях как «Достояние республики» и «Сохранение народных традиций». Большой вклад вологодские кружевницы вносят в развитие проекта «Великий Устюг - родина Деда Мороза». Используя выразительность «белой кружевной графики», они создали массу небольших сувенирных изделий, несущих в себе образ Русского Севера. В фондах Вологодского государственного музея-заповедника собрана коллекция сувениров этого периода, имеется панно Т.Н.Смирновой «Дед Мороз (2003 г), в котором довольно интересно разработана тема о зимнем волшебнике.

В 1990 – 2000-е годы в вологодском кружеве продолжают развиваться традиции орнаментального искусства, главным в кружеве становится обогащенная фактура, сложные ритмические связи всех элементов, безупречное качество исполнения. Руководство творческой работой по созданию и совершенствованию рисунков кружев осуществляла на предприятии «Снежинка» экспериментальная художественная лаборатория, в которой в 1990-е годы работало 6 художников, 2 мастера по кружевоплетению, техник-копировщик и мастер-художник первого класса. До 1990 года на предприятии проводился профессиональный конкурс, творческая группа работала до 1999 года.

В 2005 году предприятие ЗАО «Вологодская кружевная фирма «Снежинка» вновь претерпело реорганизацию. Старшее поколение художников сменили молодые дизайнеры, значительно сократилось число кружевниц и надомников (27). Руководство предприняло ряд мер по поиску новых путей развития, увеличению заработной платы кружевницам. Был пересмотрен ассортимент и разработана концепция развития производства, главными направлениями которой стали сохранение и развитие традиционного массового производства кружева, создание новых высокохудожественных изделий в традициях промысла, использование натуральных материалов.

Ассортимент современного предприятия «Снежинка» чрезвычайно разнообразен, разрабатывается большое количество эксклюзивных изделий. В 2008 году коллекция Александра Фомина «Ночная сказка» завоевала Гран-при в конкурсном показе на Международной выставке-ярмарке «Российский лён», а в 2009 году на фестивале в Сочи «Бархатные сезоны» была отмечена коллекция «Золотой век», выполненная под общим руководством Елены Мельниковой. Молодые художники-дизайнеры привнесли в промысел много нового, показали, что возможности кружева безграничны. Вологодское кружево востребовано и пользуется большим спросом, а Вологда по-прежнему остаётся одним из самых интересных и творческих центров кружевного промысла в мире. Не случайно в Вологде с 2006 года ежегодно проводится Всероссийский конкурс мастеров кружевоплетения «Серебряная коклюшка», а с 2010 года составной частью этого конкурса стала выставка - конкурс авторских произведений, целью которой является поддержка и развитие творческих способностей мастеров и художников кружева.

Открытие Музея кружева

3 ноября 2010 года в Вологде состоялось событие открытие единственного в России Музея кружева. Музей посвящен традиционному для Вологодского края народному промыслу-искусству кружевоплетения.

Общая экспозиционная площадь Музея кружева в Вологде составляет 1500 кв. м. Основная экспозиция, посвященная развитию традиционного художественного промысла Вологодчины и мировым тенденциям развития кружевоплетения с конца XIX - начала XXI веков, разместилась в анфиладе залов второго этажа здания.

Экспозиция построена в хронологическом порядке. Первый зал посвящен европейским кружевным центрам – Германии, Франции, Польше, Словакии, Испании, а также эпохе зарождения искусства кружевоплетения (XVII-XVIII вв.), когда плели из золотых и серебряных нитей. В главной галерее представлены экспонаты, раскрывающие следующие темы: «Кружево в крестьянском костюме и этнографическом текстиле», «Кружевные изделия 1920-1940-х годов», авторские произведения художников объединения «Снежинка». Здесь можно увидеть такие яркие произведения кружевного промысла, как скатерть Е.Н. Ельфиной «Снежинка», занавес В.Д. Веселовой «Миролюбивая Москва», портьера К.В. Исаковой «Петухи» и другие.

Формирование экспозиции музея велось на протяжении нескольких лет. В частности, по специальным эскизам в специализированных театральных мастерских изготовлены костюмы и обувь образца конца XIX - начала XX веков; приобретены авторские кружевные изделия ведущих кружевниц Вологды и образцы кружева зарубежных кружевных центров Франции, Бельгии, Германии, Австрии и Польши.

Основными направлениями работы Музея кружева в 2011 году являются: экспозиционно-выставочная, просветительная, фондовая, издательская работа.

В рамках экспозиционно-выставочной деятельности в 2011 году реализовано несколько значимых проектов. По поручению Министерства культуры РФ в феврале в рамках торжественного открытия Фестиваля Российской культуры была организована выставка вологодского кружева в городе Лозанны (Швейцария).

В экспозиции были представлены около 70 кружевных произведений из интерактивного фонда Вологодского музея-заповедника, компаний «Снежинка» и «Вологодская кружевница». Центральными произведениями выставки стали: панно «Святыни Вологды» и «Рождество», скатерти «Торжество» и «Щедрое лето», предметы одежды, панно «Вологда», «Вологодская кружевница».

В открытии выставки приняли участие: супруга Президента РФ С.В. Медведева, Министр культуры России Александр Авдеев, Посол России в Швейцарии Игорь Братчиков, российский модельер Валентин Юдашкин. Швейцарскую сторону представляли: экс-президенты Швейцарии – Паскаль Кушпен и Ханс-Рудольф Мерц, а также начальник Федерального департамента внутренних дел Швейцарии Дидье Буркхальтер.

В апреле 2011 года в залах Музея кружева состоялось открытие выставки «Очарование европейского кружева». Этот выставочный проект стал возможным благодаря сотрудничеству Центром изучения французского кружева г. Пюи Французской ассоциацией кружева и вышивки. Проект реализован в рамках долгосрочной целевой программы «Развитие кружевного промысла Вологодской области на 2011-2013 годы».

На выставке было представлено кружево Франции, Бельгии, Голландии, Италии XVI-XX века из частной коллекции мадам Мик Фуриско, которая является вице - президентом Французской ассоциации кружева и вышивки.

Важный итог фондовой работы музея – систематическое пополнение кружевными изделиями из различных стран мира.

17 декабря 2011 года в дар Музею кружева была передана коллекция кружева XVII – XX веков, подаренного Музею кружева Рут Шайдэггер-Майер, дочерью известного швейцарского писателя Герхарда Майера.

В ноябре текущего года делегация Департамента культуры и охраны объектов культурного наследия области посетила Швейцарию. Визит был направлен на продолжение сотрудничества, сложившегося между нашими странами в ходе успешного проведения Фестиваля российской культуры в Швейцарии в 2011 году, посвященного 65-летию установления дипломатических связей между Россией и Швейцарией.

На рабочей встрече с послом России в Швейцарии и Лихтенштейне Игорем Братчиковым обсуждались совместные культурные проекты 2012 года: выставка из частной коллекции кружева XVII – XX веков гражданки Швейцарии Рут Шайдэггер-Майер в Музее кружева Вологды, сотрудничество с Музеем тканей и текстиля в городе Санкт-Галлене и другие.

В рамках визита в Швейцарию состоялась рабочая встреча с коллекционером кружева, мастером по изготовлению кукол Рут Шайдэггер-Майер (г. Тримбах), а также с коллекционерами Амелией и Рудольфом Хюссер, которые передали в дар Музею кружева предметы с аппенцелльской вышивкой 1935 года.

В дар Музею кружева руководство компании «Бишофф АГ» передало копию венецианского кружева ручной работы начала XIX века.

Из настоящих проектов логично рождаются проекты будущего, в частности, проекты 2012 года:

- организация выставки «Вологодское кружево – царское кружево» по приглашению мадам Мик Фуриско во Франции (г. Пюи) в феврале 2012 года; - выставка трех центров хорватского кружева в выставочных залах музея в сентябре 2012 года;

- выставка новых поступлений в Музей кружева в первой половине 2012 года.

Международный фестиваль кружева

23 по 25 июня 2011 года в Вологде состоялся I Международный фестиваль кружева, в котором приняли участие представители кружевных центров и льноперерабатывающих комплексов из 18 стран и 36 регионов России. Программа фестиваля предусматривала проведение конкурсов кружевного мастерства, выставок, показов коллекций одежды, круглых столов и других творческих и культурных мероприятий. Главным событием форума 2011 года стала выставка-ярмарка «Лабиринт кружева» с участием российских и зарубежных кружевных центров.

Дата 24 июня 2011 года прочно вошла в историю Вологодской области и всей страны проведением акции «Самое массовое кружевоплетение», когда 570 кружевниц два часа подряд плели кружевные изделия.

В акции приняли участие кружевницы из 8 стран – Австралии, Болгарии, Хорватии, Франции, Ирландии, Канады, Польши, Словении, а также из 25 регионов России. Акция «Самое массовое кружевоплетение» была занесена в Книгу рекордов России. Почетным гостем на празднике кружевоплетения стала супруга Президента РФ Светлана Медведева.

Источник: http://vologda-oblast.ru
  
#40 | Анатолий »» | 05.04.2016 15:48
  
0
Красота вологодского кружева.










































Интересный факт: великие мастерицы Руси использовали рыбьи кости для плетения ажурных кружев, а первоначальным цветом Вологодских кружев был синий

  
#41 | Vova »» | 29.09.2016 04:58
  
1
Отличная подборка росписи, спасибо вам большое. Я жене люблю покупать разные штуки в таком стиле. И ей очень идет. И платки у нас уже имеются, и самовар на кухне стоит.
Разрешите поделиться еще картинками по теме.

Нашел на просторах интернета вот здесь:
http://modamix.net/odezhda-v-russkom-stile/
  
#42 | Анатолий »» | 29.09.2016 06:09 | ответ на: #41 ( Vova ) »»
  
0
Очень интересно!
Спасибо!
  
#43 | Анатолий »» | 29.09.2016 12:55 | ответ на: #41 ( Vova ) »»
  
0
С большим удовольствием посмотрел представленные работы.

Мы стали какими то однообразными и серыми усредненными в одежде. (в нашем облике)
Я вот смотрю порой на улице, в транспорте и не знаю передо мной кто, какой национальности человек. Все какие то \"усредненные\"
А ведь это очень интересно!
Самобытность, культура других народов.
И русской культуре есть что показать!

Мне очень жаль что такое происходит, вот эта \"усредненность\" Мы теряем самобытность. теряем свой колорит, теряем свою культуру.
Добавлять комментарии могут только
зарегистрированные пользователи!
 
Имя или номер: Пароль:
Регистрация » Забыли пароль?
применение 14 свойства 26 кофе 8 ингредиенты 4 рецепт 45 новый ролик 4 использование 5 польза 81 противопоказания 8 рецепты 43 шиповник 4 хранение 6 приготовление 12 видео 5 троица 14 бог 14 вкусно и полезно 4 полезные свойства 37 соль 5 любовь 13 квашеная капуста 4 жимолость 5 лечение 17 еда 13 здоровое питание 8 ресторан 4 хлеб 14 доставка продуктов 6 продукты питания 5 описание 4 помидоры 4 целебные свойства 11 выпечка 5 мёд 4 чай 7 одуванчик 5 пивоварение 12 доставка воды 6 питьевая вода 4 кондитерские изделия 4 доставка еды 8 правильное питание 7 морепродукты 8 рыба 9 натуральные продукты 12 пищевое оборудование 4 солод 10 суши 5 полезно 47 сухофрукты 6 овощи 7 вода 6 здоровье 9 вредные продукты 10 продукты 16 вредно 13 доставка 4 питание 7 молоко 8 праздник 4 брокколи 4 вред 38 фрукты 6 сахар 5 пальмовое масло 6 масло 7 опасно для здоровья 4 фасоль 4 чеснок 5 ягоды 6 ожирение 4 росконтроль 4 экспертиза 4 состав 20 заготовка 4 крапива 4 полезные продукты 10 грибы 5 орехи 6 фастфуд 4 калина 4 гмо 18 правила выбора 4 лечебные свойства 6 иван чай 5 опасность 6 химия 4 консерванты 5 обман 4 пищевые добавки 4 правила 5 народная медицина 4 мед 4 вкусно 6 калорийность 4 на здоровье 19
 
© technoshop.ru 2005 - 2024, создание портала - Vinchi Group & MySites
ЧИСТЫЙ ИНТЕРНЕТ - logoSlovo.RU